Em vida, Haydn foi considerado um grande revolucionário. Ele, com Mozart (de quem era amigo) e Beethoven (de quem foi professor) formam o trio mais representativo do classicismo musical. Haydn nasceu em 1732 e morreu em 31 de maio de 1809. Sua obra é enorme. Compôs 104 Sinfonias e inúmeros quartetos e outras peças. E nada é curtinho ou mal feito, muito pelo contrário. O cara era um grande talento, como hoje podemos comprovar em milhares de concertos e gravações.
Franz Joseph Haydn (1732-1809)
A partir da data de sua morte, em 1809, seu crânio (imagem acima) seguiu por surpreendentes caminhos. Haydn foi inicialmente enterrado no cemitério de Hundstaurm, mas pouco depois o administrador da prisão local, Johann Peter, e o secretário do príncipe Esterházy, Carl Rosenbaum, subornaram um coveiro e conseguiram exumar o cadáver para remover sua cabeça. Esses dois homens acreditavam ao pé da letra na frenologia, “ciência” que dizia que todas as habilidades e sentidos, em particular o sentido da música e da harmonia, residiam no formato do crânio. Haydn era pois uma cabeça a ser conquistada e analisada detidamente. A dupla pensou que naquele crânio poderiam encontrar os segredos de uma mente tão capaz, genial para a composição musical.
Frenologia é coisa séria, meu amigo.
E eles estudaram e estudaram o crânio de Haydn sem chegarem a nenhuma conclusão. Bem, em 1820, o príncipe Esterházy, da família que empregara Haydn por décadas, desejou enviar os restos do compositor para outro momento cemitério mais nobre. Foi quando descobriram que lhe faltava a cabeça. Os primeiros acusados foram justamente Rosenbaum e Peter, que devolveram rapidamente o crânio. Então os restos mortais de Haydn puderam ser transferidos para o cemitério de Eisenstadt, onde foram enterrados.
Só que eles devolveram um crânio qualquer, não o de Haydn. Após a morte de Rosenbaum em 1828, a cabeça autêntica foi entregue a Peter, que fez questão de estabelecer em testamento que a cabeça de Haydn deveria ser entregue, após sua morte, para a Sociedade de Amigos da Música de Viena.
E Peter morreu, claro — afinal estamos narrando coisas do século XIX em pleno século XXI. Só que, após a entrega da cabeça por parte da viúva, um certo Dr. Halle, membro desta Sociedade, vendeu o crânio ao professor de patologia Carl Von Rokitansky, que trabalhava no Instituto de Anatomia de Viena. Mais frenologia.
Com a morte de Rokitansky, seus parentes devolveram a cabeça para a Sociedade de Amigos da Música de Viena. Imaginem que a sociedade ficou com ela até 1954. Neste ano foi construído um mausoléu para o compositor e os construtores entraram em acordo com o cemitério de Eisenstadt e a Sociedade de Amigos da Música de Viena para enfim fazerem o grande reencontro entre cabeça e corpo. Estudos científicos determinaram há poucos anos que a ossada confere. Tudo ali é Haydn. Ou ao menos é tudo a mesma pessoa.
Porto Alegre é uma cidade curiosa. Parece oferecer pouco, pois as vias de informação em jornal e mesmo na internet passam por uma já longa crise, só que há coisas bem legais para se fazer e que não são descobertas.
O Caderno de Cultura de ZH quase não é lido — tem que ser assinante e muita gente fugiu do jornal por ser de direita e gremista. Na internet, não há um veículo confiável que reúna tudo. A Agenda Lírica ainda está se organizando. Então, os eventos têm de ser meio catados por aí.
Ontem, minha querida Elena avisou: o georgiano Guigla Katsarava vai tocar hoje no Instituto de Artes da Ufrgs, no Auditório Tasso Correa. Sim, sabemos que a Ufrgs não é uma casa de espetáculos. Sabemos também que o organizador do concerto, Ney Fialkow, não trabalha com publicidade. Divulgar algo desse quilate para a cidade seria função para jornalistas, só que… Bem, deixa assim. O que interessa é que fomos.
E vimos o melhor recital do ano na cidade. Katsarava tinha tocado em um concerto com a Ospa em junho do ano passado. Dias depois, apresentou-se na Casa da Música. Ou seja, sabíamos que se tratava de um pianista de impressionante técnica e sonoridade. Presentes na plateia, apenas os especialistas: pianistas, professores e alunos. Imaginem que a pianista Catarina Domenici chegou direto do aeroporto, sabendo que valeria a pena o esforço.
O programa começou com Grieg (Peças Líricas) e seguiu com duas peças de Scriabin. Depois, tivemos a Suíte Nº 2 para dois pianos de Rachmaninov — a partir daqui o excelente Ney Fialkow entrou em cena — e a surpreendente The Garden of Eden: Four Rags for Two Pianos, de William Bolcom. O bis foi talvez a melhor peça da noite: La Valse, de Ravel, em versão para dois pianos.
Ney e Guigla | Foto: Sala Cecília Meirelles
O nível esteve sempre lá em cima, foram interpretações de rara sensibilidade, mas gostei menos das obras dos russos Scriabin e Rach do que das outras.
A peça de Grieg é finalizada com a linda Bodas em Troldhaugen. A de Bolcom é puríssimo e fino fun, se posso me expressar assim. E La Valse é a vertiginosa apoteose da valsa vienense. Parece que nunca vai se realizar, mas depois acontece da forma surpreendente e nervosa. Dá a impressão do final de uma época. Ravel aparenta dizer: agora a alegria da valsa tem de lutar para chegar a nossos ouvidos.
Ele mesmo escreveu:
Através de nuvens, são vistos aqui e ali pares que valsam. A névoa se dissipa gradualmente, distinguindo-se um imenso salão povoado por uma multidão que baila. A cena se torna cada vez mais iluminada. As luzes dos candelabros se acendem. Situo este valsa num palácio imperial.
A dupla Katsarava e Fialkow vai se apresentar na Sala Cecília Meirelles amanhã, quinta-feira, no Rio de Janeiro, às 20h. Atenção, cariocas! Eu não perderia por nada. Ah, lá vai ter Bolcom e Ravel!
Com a concordância do prefeito (sim, aquele mesmo que diz não ter dinheiro para nada), a Câmara Municipal de Porto Alegre abriu um edital de R$ 350 mil para que seja composta uma ópera-rock baseada na Revolução Farroupilha. Bem, a época deste gênero musical já está mais do que finda, só podendo ser coisa de quem não acompanha nem de longe o movimento cultural, parecendo mais um projeto pessoal de um sem-noção.
Moda no final dos anos 60 e início dos 70, as óperas-rock foram puxadas pelo excelente The Who, cujo principal compositor, Pete Townshend, escreveu a pioneira Tommy — OK, a primeira foi A Quick One, também do The Who — e a melhor de todas, Quadrophenia. Depois o gênero diluiu-se e foi parar nos musicais, onde morreu há muitos anos. Uma ópera-rock era simplesmente uma série de canções interligadas que, reunidas, contavam uma história, sem chegar a ser um drama musical como os de Wagner.
Na época das óperas-rock, as pessoas se vestiam assim, meu caros edis.
The Who (Townshend, Daltrey, Entwhistle e Moon, da esquerda para a direita) na época das óperas-rock | Foto: https://www.thewho.com/ Divulgação.
Mais: além da Câmara propor uma composição de gênero anacrônico, a tal “Revolução Farroupilha” sempre esteve longe de ser uma unanimidade no estado, mesmo na época em que ocorreu. A própria cidade de Porto Alegre não a apoiou. Talvez fosse adequado a nossos vereadores darem uma olhadinha no brasão de armas da cidade. Lá está escrito o lema “Mui Leal e Valerosa”. Esta frase está ali por NÃO termos apoiado os Farrapos. Desculpem, a verdade é algo incontrolável mesmo.
Gente, a Revolução Farroupilha não foi a luta do povo rio-grandense contra o Brasil. Uma parte importante dos moradores da província lutou a favor do Império. Nem mesmo na região da Campanha, tida como base dos farroupilhas, havia unanimidade. Muitos dos líderes militares e grandes estancieiros, que ali viviam, eram legalistas.
E ainda mais: a Câmara de Vereadores financiando um tema que não diz respeito exclusivamente a Porto Alegre é, no mínimo, estranha.
Li em algum lugar que seria melhor montar uma ópera sobre o tema. Até concordo. Por que não? Afinal, elas ainda são compostas e são populares. É um gênero vivo em Porto Alegre, onde as montagens lotam teatros. Mas gostaria de sublinhar que já existe uma ópera chamada Farrapos, conforme lembra o tenor Antonio Telvio. Ela foi estreada em 1935 ou 36 no Theatro São Pedro e é de autoria de Roberto Eggers (1889-1984), que também compôs Missões. Eggers foi uma figura bem conhecida na cidade — dirigiu o Orfeão Riograndense e foi Diretor Musical das Rádios Gaúcha e Farroupilha.
Para terminar, por que não propuseram simplesmente um musical ou uma ópera gaudéria? Talvez uma ópera-funk? Ah, Pete Townshend, que estrago você fez na cabeça de nossos ignorantes edis!
The Who hoje: só Townshend e Daltrey. Moon e Entwhistle já faleceram | Foto: https://www.thewho.com/ Divulgação
4’33 (1952) é uma obra do compositor John Cage que, às vezes, é descrita erroneamente como “quatro minutos e meio de silêncio”. A música se enquadra no movimento happening e é uma das obras precursoras da arte conceitual por não executar nenhuma nota musical.
Sua primeira apresentação foi ao piano, interpretada por David Tudor, embora a peça tenha sido composta para quaisquer outros instrumentos ou conjuntos. A partitura está estruturada em três movimentos que são identificados por movimentações do regente e dos músicos. Eles se mexem, de alguma forma…
John Cage (1912-1992)
Questionando o paradigma da música ocidental, que explicava a música como uma série ordenada de notas, Cage se voltou para o silêncio de forma eminentemente conceitual. Todos os mínimos ruídos, comuns em salas de espetáculos, criam a aura do happening, provocando o público e fazendo com que uma execução pública seja diferente da anterior e de contornos inesperados.
As execuções costumam ser muito engraçadas. Nem todos os músicos conseguem permanecer sérios e parte do público não entende o que está acontecendo. Normalmente, a galera custa a se manifestar, mas era isso que desejava Cage. O budista Cage achava que a peça seria “incompreensível no contexto ocidental”, e relutou em “escrevê-la”: “Eu não queria que parecesse, nem para mim, como algo fácil de fazer. Eu não queria viver com esta impressão”.
Apesar do caráter provocativo, Cage conseguiu destacar a importância do silêncio na música, a sua impossibilidade real e, por consequência, ampliar os limites da arte.
O silêncio já tinha desempenhado um papel importante em várias das obras de Cage compostas antes de 4′33. O Dueto para Duas Flautas (1934), composto quando Cage tinha 22 anos, começa silenciosamente. O silêncio é um elemento estrutural importante em algumas das Sonatas e Interlúdios (1946-48), Música das Mutações (1951) e Duas Pastorais (1951). O Concerto para piano e orquestra preparados (1951) encerra com um silêncio prolongado e Waiting (1952), uma peça de piano composta apenas alguns meses antes de 4′33, consiste em longos silêncios emoldurando um único e curto ostinato. Além disso, em suas canções The Wonderful Widow, de Eighteen Springs (1942) e A Flower (1950), Cage manda o pianista tocar um instrumento fechado.
Serviço
Data: 18/05/2018 20h30
Local: Salão de Atos da UFRGS
Av. Paulo Gama, 110 – Bom Fim, Porto Alegre – RS, 90035-121
Programa
Armando Albuquerque: Evocação de Augusto Meyer John Cage: 4’33” Antônio Carlos Borges-Cunha: Noturno para Piano e Orquestra (estreia) | Solista: André Carrara George Gershwin: Concerto para Piano em Fá | Solista: Olinda Allessandrini
Um Réquiem Alemão, de Johannes Brahms, existe por um só motivo: a morte da mãe do compositor em fevereiro de 1865. Escrito entre 1865 e 1868, ele tem várias curiosidades: é composto de sete movimentos, que juntos resultam em algo entre 65 a 75 minutos, tornando-o a mais longa composição de Brahms. Há mais: Um Réquiem Alemão é música sacra, mas não é litúrgica e, ao contrário de uma tradição musical de séculos, não é cantado em latim e sim em língua alemã, de onde vem seu título Ein deutsches Requiem ou Um Réquiem Alemão.
A primeira referência ao Réquiem está em uma carta de 1865 que Brahms escreveu para Clara Schumann, pianista, compositora e viúva de Robert. Escreveu que pretendia desenvolver uma peça a ser “uma espécie de Réquiem alemão”. Depois, Brahms teria dito ao diretor de música na Catedral de Bremen que teria de bom grado chamado o trabalho de Um Réquiem Humano. Mais adiante, vocês verão que este sujeito de Bremen era um chato de primeira linha.
Embora as Missas de Réquiem na liturgia católica comecem com orações pelos mortos, o de Brahms centra-se nos vivos, começando com o texto “Bem-aventurados são aqueles que suportam a dor, porque serão consolados”. O tema do conforto aos que ficam repete-se em todos os movimentos seguintes, exceto o final, sobre a morte.
Em seu Réquiem, Brahms omitiu propositalmente qualquer dogma cristão. Até pelo fato da ideia de deus ser visto sempre como fonte de consolo. A simpatia e compaixão pelo humano persiste por todo o tempo, o que não significa dizer que o Réquiem seja ateu — ateu sou eu, mas alguns escreveram este absurdo sobre a obra –, apesar de sua contenção religiosa. De qualquer forma, a enigmática escolha dos textos fica para os musicólogos decifrarem. Quando o diretor da catedral de Bremen expressou sua preocupação com isso, Brahms recusou-se a adicionar o movimento que lhe fora sugerido: “A morte redentora do Senhor, etc.” (João 3 : 16). Mas, por incrível que pareça, o citado diretor obrou finalizar o Réquiem por uma ária do Messias de Handel, — ??? — “I know that my redeemer liveth”. Tudo para satisfazer o clero. Um total abuso.
O Réquiem foi inicialmente contestado. Wagner achou-o ridículo, mas temos que lhe dar o mérito da coerência: ele errava sempre. Na verdade, estava apenas contrariado com o título “Alemão”. “Alemão” seria a ele mesmo, Wagner. O que Brahms estava pensando? A reavaliação do Réquiem veio através de Schoenberg e seu brilhante ensaio Brahms the progressive. Então, a história da percepção a Brahms descreveu 180º: seus trabalhos passaram de “acadêmicos” a “modernos”. Agora, são eternos.
SERVIÇO
A Ospa apresentará Um Réquiem Alemão no próximo sábado (12/05) às 17h, na Casa da Música da Ospa. Estarão no palco o Coro Sinfônico da Ospa, a soprano Raquel Fortes e o barítono Alfonso Mujica. Regência de Manfredo Schmiedt.
Na ocasião, a Ospa presta homenagem à memória de Eva Sopher, falecida neste ano — uma grande incentivadora da cultura porto-alegrense e da orquestra. A Casa da Música da Ospa fica no Centro Administrativo Fernando Ferrari (Caff), na Avenida Borges de Medeiros, 1501, no Centro de Porto Alegre.
O Marquinhos do Tuim até tirou fotos do programa quando passou na TV dele.
Convidado pela TVE logo após a inauguração da Casa da Música da Ospa, acho que fizemos um programa cheio de conteúdo. Coloco abaixo a íntegra do mesmo.
O episódio da filha do mestre Buxtehude daria um ótimo e comovente filme. Recusada por Mattheson, por Haendel e por Bach, casou-se enfim com um certo Johann Christian Schieferdecker, que herdou o trono do mestre organista de Lübeck.
No ano de 1668, o organista residente Franz Tunder, da Igreja de Santa Maria em Lübeck, faleceu. A posição que ocupara era muito apreciada e foi preenchida por um jovem promissor chamado Dietrich Buxtehude, sob a condição de que ele se casasse com a filha mais nova de seu antecessor, Anna Margarethe Tunder.
Essa condição também deveria ser rigorosamente estendida ao sucessor de Buxtehude. Em 1703, após 35 anos de serviço, Buxtehude teve a oportunidade de se aposentar precocemente, seguindo um grande interesse em seu cargo por dois famosos organistas, Georg Frederic Handel e Johann Matheson. Além disso, Johann Sebastian Bach, que tinha notoriamente caminhado mais de 320 quilômetros para ver o grande Buxtehude se apresentar, tinha fortes desejos de sucedê-lo.
Infelizmente, houve um pequeno problema… A filha mais nova de Buxtehude, Anna Margareta, era excepcionalmente pouco atraente, e não importava quão prestigiosa fosse a nomeação, ninguém suportava a ideia de casar-se com ela.
E assim Dietrich Buxtehude permaneceu organista em St. Mary’s até sua morte. A filha que ele deixara para assustar os aspirantes a candidatos não se demorou muito. O antigo assistente de Buxtehude, um certo JC Schieferdecker, que é famoso por nada mais, casou com ela. Sua ação ficou conhecida na época como “erhielt den schönen Dienst” (o belo trabalho)!
Aury Hilário é um cirurgião plástico de Porto Alegre. Mas também é muito mais: por 14 anos, ele nos enviou newsletters informando sobre tudo o que acontecia na cidade em termos musicais. Assim, ele provava que se podia ter uma vida cultural mais rica do que normalmente se imagina nesta cidade abandonada. E mais ainda: através dele, muitas vezes descobríamos que podíamos ter vida musical sem pagar nada. Sei de gente que recebia seus e-mails e, com tempo livre e recebendo uma aposentadoria vergonhosa, ia apenas nos gratuitos. Aury fez muito. Eu acho que, como ele sugere na comunicação abaixo, alguém poderia assumir seu trabalho. Infelizmente, falta-me tempo para me oferecer e já tenho o compromisso do PQP Bach, mas fica a dica. Quem quiser contribuir para o bem cultural da cidade, ai está o convite.
No último sábado, fui assistir ao concerto inaugural da Casa da Música da Ospa. Fiquei muito impressionado com o belo resultado obtido em tão pouco tempo. O que nos salta aos olhos e aos ouvidos de cara: a sala é muito bonita, o local é adequado, as cadeiras e o colorido das madeiras lembram a Sala São Paulo e o teto baixo parece ter sido bem resolvido do ponto de vista acústico. Talvez apenas os instrumentos de madeira tenham sofrido um pouco com a cortina de cordas logo à frente.
É claro que era uma noite especial, nervosa e muito emocionante. Afinal, após várias décadas difíceis de nomadismo, a orquestra finalmente teria uma sede própria. A sequência de discursos e leituras foi massacrante — duraram mais de uma hora –, houve muito estresse nos últimos dias e horas a fim de finalizar a obra, chovia forte lá fora, o público de Marchezan City chegava lentamente, tudo atrasou, a orquestra esfriou e o concerto não foi lá essas coisas, mas jamais deixaria de dar todos os descontos citados.
Foto: Maí Yandara / Ospa
Imaginem que não havia ingressos disponíveis, só que a chuva era tal que muita gente optou por permanecer em casa. Creio que a lotação não ultrapassou os 80% da capacidade do teatro de 1100 pessoas. Soube que o segundo concerto (o de domingo) teve resultado artístico muito melhor, além de um público mais entusiasmado e afeito à música, diferente das autoridades, jornalistas e penetras indiferentes de sábado.
O programa não era do meu agrado, apesar de coerente. Uma obra de Arthur Barbosa, Mba’epu Porã, cujo tema era a formação musical do sul da América, a ultra norte-americana Rhapsody in Blue, de George Gershwincom o excelente pianista Cristian Budu, e a Sinfonia Nº 9, Novo Mundo de Dvořák, mistura de música checa com uma tentativa de fazer música norte-americana em 1893. Ou seja, não era uma coisa de louco, mas tem gente que ama este repertório.
Foto: Maí Yandara / Ospa
Só que ontem nada disso interessava. Afinal, estávamos dentro de uma raríssima construção de nosso estado feita exclusivamente para a cultura. Há quantos anos não se fazia uma obra dessas para o setor patinho feio do Estado? Além da sala de concertos, haverá camarins, café, salas de estudos, saguão, entre outros espaços. Tudo para a música. É claro que faltam ainda algumas coisas, porém a sala já é superior a tudo o que há disponível para a orquestra em Porto Alegre. E para o público também.
A Ospa, o diretor artístico (e herói) Evandro Matté — principal líder desta odisseia –, o superintendente da Ospa Rogério Beidacki e o engenheiro acústico Marcos Abreu estão de merecidíssimos parabéns. Nós também.
A construção, que é a primeira Sala Sinfônica de Porto Alegre, produzirá muita felicidade. A Casa está de pé e será um dos principais pontos de cultura de nosso combalido Rio Grande.
No último sábado, vimos a barbárie dar um passo atrás.
As cadeiras | Foto: Augusto MaurerO teto | Foto: Augusto Maurer
Evandro Matté já era o Diretor Artístico da Orquestra Unisinos Anchieta quando assumiu a mesma função na Ospa. Chegou ao novo cargo no início do governo Sartori e é uma exceção no enorme leque de críticas que o governo recebe, principalmente em Porto Alegre.
A entrevista sobre o novo momento que vive a Ospa foi feita no último sábado no Agridoce Café. Acreditamos que o caráter da conversa — muito informativa — foi descansado, ainda mais se considerarmos a folga que tivemos do calor.
Os assuntos foram muitos. Afinal, após mais de uma década, a Ospa voltará a ter um mesmo local para ensaios e concertos, o Conservatório Pablo Komlós irá para o Palacinho e será ampliado, a orquestra voltará a excursionar, novos músicos foram nomeados em troca do enxugamento do setor administrativo, o tradicional dia de concertos será mudado, entrando num padrão que é internacional, etc. Ou seja, assunto não faltou.
Em apoio, contamos não somente com os cafés e o tiramisù do Agridoce, mas também com as excelentes fotos de Guilherme Santos. Ao final de entrevista, notei que tanto Evandro quando Guilherme têm seus instrumentos de trabalho tatuados no antebraço direito.
Impossível não notar uma tatuagem no braço de um descendente de italianos que usa muito as mãos para falar e ainda é regente de orquestra, imaginem. Mas vamos à entrevista:
O antebraço direito do diretor artistico e regente titular da Orquestra Sinfônica de Porto Alegre, Evandro Matté. Foto: Guilherme Santos/Sul21
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Guia21 — Mesmo com a crise financeira, com o Governo do Estado cortando tudo, com a Cultura eternamente na linha de frente para os cortes, a Ospa conseguiu um bom ano, com crescimento, planos de nova sede, nomeações, etc. Qual é o segredo?
Evandro — Esses 27 anos que estou na Ospa foram uma grande escola. Além de trompetista e regente, fui presidente da Associação de Músicos da orquestra. Sei como se sentem os músicos. Sei que quem administra não deve ficar apenas focado na programação, mas também na estrutura da Fundação. Houve períodos em que nos tocávamos em cadeiras de plástico amarelas, as estantes eram complicadas de usar, eram totalmente inadequadas. Então, se algum dia eu assumisse a Ospa — algo para o qual me preparei –, eu queria não somente olhar a parte artística, mas também a estrutural. Quando fui convidado pelo secretário Victor Hugo, em razão do trabalho que eu fazia com a Unisinos e nos Festivais do Sesc, elaborei uma série de metas ou objetivos. Minha lista de prioridades está quase toda cumprida. A ideia prioritária era de resolver as questões estruturais que atrapalhavam a orquestra para que a Ospa pudesse dar um salto. Precisávamos de estabilidade no trabalho e no fluxo financeiro, apesar da crise. No último quesito, usamos nossa rede de relacionamentos, mas não podemos jamais reclamar do governo, que nos apoiou inclusive com suplementação orçamentária em alguns momentos.
Guia21 — Conta um pouco da tua vida como músico antes de chegar ao cargo de Diretor Artístico da Ospa?
Evandro — É uma longa história. Eu conheço muito bem a instituição. Na verdade, se somar tudo, minha história na Ospa tem 30 anos. Eu tenho 47. Fui assistir pela primeira vez a uma orquestra sinfônica em Gramado quando tinha 13 anos. A banda marcial onde eu tocava foi a um concerto em Gramado e, para minha sorte, a Ospa ia tocar a 9ª Sinfonia de Beethoven regida por Eleazar de Carvalho. Foi a primeira vez que estive frente a frente com uma orquestra. Eu sou filho de um mecânico e de uma dona de casa e a cultura não era algo muito presente dentro de casa. Aquilo me impressionou muito. Ao final do concerto, subi no palco e perguntei para os trompetistas como se fazia para entrar na Ospa… Eu tocava desde os 7. Eles riram, mas ficou aquele desejo. Aos 17 anos, eu vim para Porto Alegre. Trabalhava no Banco do Brasil como boy (menor auxiliar). Para enganar a família, fiz vestibular para Engenharia Civil. E, no mesmo ano, na verdade no mesmo dia em que entrei na Engenharia — acabei fazendo todas as cadeiras do curso, faltou só o estágio — entrei também na Escola de Música da Ospa. E, quando terminei a Engenharia, passei no Concurso da Ospa como trompetista. Então desisti do estágio e do título de engenheiro para ser músico. Quando comecei na Ospa, fiz vestibular para Música na Ufrgs, me formei aqui e fora, segui toda a carreira de trompetista. Então eu estou vinculado a Ospa faz 30 anos, 27 como músico da orquestra. Eu vivenciei períodos muito difíceis, quando todos reclamavam de uma orquestra que, na verdade, não tinha as mínimas condições de trabalho e pouco respaldo. Passamos por diversos governos e diretores artísticos, alguns muito bons.
Evandro Matté: “Ficamos sem empresas para fazer as obras. Teríamos que fazer novas licitações e isso demora”. | Foto: Guilherme Santos/Sul21
Guia21 — Neste semestre deve ser inaugurada a Casa da Música da Ospa, como estão as obras e de onde surgiu este nome?
Evandro — Devido a vários problemas, a construção da Sala Sinfônica da Ospa foi suspensa e substituída pela Casa da Música. Hoje, é onde ensaiamos. Nós mudamos o nome para não haver confusão entre o plano antigo e o novo. O nome foi inspirado pela magnífica Casa da Música na Cidade do Porto (Portugal). Nossa sala de ensaios irá se transformar numa sala sinfônica e em outras coisas que falarei a seguir. Por vários motivos, eu defendia esse espaço para a Ospa há 15 anos. É um espaço que está dentro do complexo administrativo do Governo do Estado, era um local que já estava semi-pronto, pois, no plano diretor, era para ser um Centro de Convenções com um Teatro. A Secretaria de Educação ocupava o espaço que deveria ser o Centro de Convenções e a estrutura do Teatro estava fechada com tapumes há 48 anos… Imagina que ele tem um ângulo de plateia, que cabem 1100 pessoas, que tem um estacionamento embaixo para 300 vagas e mais 1000 fora. Então, como o projeto anterior foi ficando cada vez mais inviável em razão de questões financeiras e burocráticas, além do fato de que, das duas empresas que venceram a licitação, uma não era séria e a outra quebrou… Ficamos sem empresas para fazer as obras. Teríamos que fazer novas licitações e isso demora. Além do mais, precisaríamos buscar um dinheiro do governo federal que, sabemos, dificilmente seria liberado com agilidade. Mas o mais importante é o seguinte. Qual seria o custo de manutenção do novo espaço? Seria absurdo. Para nós mantermos o novo prédio, seríamos obrigados a baixar o nível artístico para pagar contas de manutenção, o que já ocorrera no passado com antigo teatro Leopoldina. Então chegamos ao projeto no Caff (Centro Administrativo Fernando Ferrari).
Guia21 — O que é este projeto?
Evandro — Uma Sala de Concertos para 1100 lugares, com mezaninos, saguão e memorial com fotos de todos os músicos e regentes da orquestra desde a fundação, mais bilheteria, chapelaria, depósito, arquivo de partituras — pela primeira vez teremos isso em nosso local de ensaio –, salas de estudo, camarins, cafeteria, restaurante e sala híbrida para recitais e eventos. Nesta sala, pensamos em fazer um programa chamado Minha Primeira Vez, destinado a quem nunca foi a um concerto, para aprender noções. Isso gera uma vinculação, é o que desejamos. Temos uma LIC aprovada e as empresas estão vindo. Talvez a gente não consiga deixar a sala disponível para o dia 10 de março, que era a nossa intenção. Mas esperamos abri-la no final de março.
Evandro Matté: “Luz, IPTU, segurança, tudo está dentro do complexo do Centro Administrativo”. | Foto: Guilherme Santos/Sul21
Guia21 — Quais serão as vantagens do novo espaço?
Evandro — Primeiramente, os 1100 lugares, que é um número muito bom para a Ospa e Porto Alegre. Já falei no arquivo de partituras. Também há o ponto, a localização é ótima e nós vamos ter um custeio muito baixo. Ou seja, o novo espaço só vai nos gerar receitas. Luz, IPTU, segurança, tudo está dentro do complexo do Centro Administrativo. E a Ospa ainda poderá explorar o estacionamento coberto, bar e restaurante. Vamos poder locar a Sala quando a Ospa não a estiver utilizando. Ou seja, será um grande salto para a orquestra. Mas o mais importante mesmo é o salto artístico. Depois de muitos anos, vamos ensaiar no local do concerto.
Guia21 — E a acústica da Sala?
Evandro — Neste primeiro momento, estamos apenas ensaiando lá. Somos bastante conscientes dos atuais problemas de acústica, mas eles estão sendo sanados pelos especialistas que contratamos. Nós temos casos em Nova Iorque e Paris em que salas foram fechadas para acertos. Depois, houve a retomada. São muitas pequenas variáveis que influenciam. É claro que a aplicação dos conceitos básicos já deve melhorar muito nossa condição atual. Vamos chegar certamente a um ponto ótimo. Agora, estamos nos dedicando a reduzir a reverberação e seguir um processo de melhoria contínua.
Guia21 — Vocês têm um crowdfunding em andamento, não?
Evandro — Sim, mas isso é para pagamento de parte do projeto, não do projeto completo. Há um esforço para a venda de poltronas que receberão o nome de quem contribuiu. Temos uma LIC especial, porque é para patrimônio público, que dá 95% de abatimento. Estamos visitando empresas com excelente retorno. Isso visa a obra civil para finalizar a Sala de Concertos e o saguão, o que permitirá que a gente abra a Sala para o público. E a segunda etapa é o restante.
Guia21 — Há a ideia de endowment?
Evandro — Isso seria um sonho. Está na minha lista. É algo que nos daria sustentabilidade a longo prazo. Porém, no Brasil não há a tradição de retornar à sociedade aquilo que ela deu a alguém. Não há quase mecenato. É muito complicado, mas seria o ideal pela longevidade que daria à Fundação. O endowment é perfeito para uma fundação como a nossa porque o principal nunca pode ser mexido, apenas o rendimento. Mas o fundo demora a ser criado, ainda mais no Brasil. Imagina que Harvard tem um fundo de endowment de 4 bilhões de dólares. Eles mantém toda a pesquisa da Universidade só a partir destes rendimentos. Quem investe em um endowment tem a segurança de que o dinheiro doado não será “torrado”, mas dará frutos contínuos. Eu gostaria de criar o endowment da Ospa, mas hoje não há nem segurança jurídica para fazê-lo.
Evandro Matté: “Eu ganhei três jantares em apostas. Ninguém acreditava na possibilidade de haver nomeações. Foto: Guilherme Santos/Sul21
Guia21 — Como fica o antigo projeto de Sala Sinfônica? Quais são os planos para ela? Ficará no papel?
Evandro — Aquele terreno é nosso e localiza-se em local nobre. Houve investimento em fundações e não podemos ignorar que 6 milhões de reais foram investidos ali. Nós vamos chamar um concurso pelo IAB para reestruturar o projeto, aproveitando o investimento feito nas fundações que lá estão. Nós vamos criar uma concha acústica no local. Eu não gosto deste termo, prefiro falar em Teatro Aberto. Ao lado deste teatro, haverá dois pequenos prédios: um para a Escola da Ospa — para aqueles que vão ter sua iniciação no instrumento, não falo do Conservatório — e outro para o Museu da Ospa. O primeiro seria um projeto social mesmo. O Teatro Aberto nos permitiria concertos de verão e locações para shows. Seria mais uma forma de receita.
Guia21 — Poderia nos falar sobre o milagre das nomeações?
Evandro — (risadas) Eu ganhei três jantares em apostas. Ninguém acreditava na possibilidade de haver nomeações. O que aconteceu foi que nós enxugamos num ponto para sobrar do outro. Nós tratamos de mostrar ao governo a importância da Fundação Ospa, tudo o que ela dá de retorno para a sociedade. Paralelamente, nós pegamos o quadro que foi criado em 2014 no governo Tarso pelo secretário Assis Brasil e pelo ex-Diretor Artístico Tiago Flores. Esse quadro trazia um setor administrativo muito grande. Havia mais cargos do que o necessário. Então, uma das contrapartidas que nós oferecemos foi uma redução da estrutura administrativa para priorizar a contratação de músicos. Isto gerou também uma redução na contratação de músicos extras. Além do mais, nós tivemos boas receitas durante este período. Acabamos conseguindo.
Guia21 — Quais são os ganhos sociais e culturais que a Ospa dá?
Evandro — Os ganhos são claros. Há o trabalho social feito pela Escola da Ospa. Nós ampliamos muito o número de alunos que na Escola não pagam pelo aprendizado. É um trabalho social onde os professores são os músicos da orquestra. Ampliamos as atividades do coro e da Ospa jovem. Houve também uma ampliação de público. Nós estamos com 30% a mais de público do que na gestão anterior. Criamos os concertos no Margs. Com a diversificação das séries de concertos, estamos em muitos locais. Temos os concertos no interior, no Araújo Vianna, na Ufrgs, nas igrejas, no Theatro São Pedro, etc. Isso nos deu um crescimento do público dos concertos. Temos também muita mídia. Hoje a Ospa aparece muito graças a vocês da imprensa. E há o reconhecimento da sociedade como um todo, porque aumentamos a captação em 400%.
Evandro Matté: “A gente ensaiava quinta, sexta e sábado pela manhã, parava no domingo, tínhamos mais ensaios na segunda e terça, dia também do concerto. Nunca vi outra orquestra que trabalhasse assim” | Foto: Guilherme Santos/Sul21
Guia21 — A Ospa vai viajar bastante em 2018, não?
Evandro — Nem tanto. As idas ao interior permanecem na mesma base, mas é natural que, neste quarto ano de gestão, comemoremos o que se obteve. Vamos mostrar a Ospa que está em excelente nível artístico. Vamos a Campos do Jordão, à Sala São Paulo, ao Sodre em Montevidéu e ao CCK em Buenos Aires. Gravaremos também um CD em maio.
Guia21 — Outra mudança histórica, e esta envolve o público, é a mudança de horário e do dia dos concertos após 67 anos.
Evandro — Desde o tempo em que eu era músico, achava absurdo nosso esquema de ensaios com um fim de semana no meio. A gente ensaiava quinta, sexta e sábado pela manhã, parava no domingo, tínhamos mais ensaios na segunda e terça, dia também do concerto. Nunca vi outra orquestra que trabalhasse assim. Todas as orquestras fazem o trabalho dentro da semana, e apresentando o concerto no final da mesma. Outro problema são os regentes convidados. Quando eles são de determinado padrão, têm agendas mais lotadas, sempre com trabalhos de ensaio e apresentação dentro de uma única semana. É claro que, para vir à Ospa, eles tinham que reservar duas semanas. O padrão é a semana. Qualquer regente nos pergunta: “Qual é a semana?”. Outro fator é o público. Tenho feito levantamentos de como trabalham Osesp, OSB, Minas e orquestras do exterior que tenho regido ou não. As quintas-feiras têm o menor público, nas sextas já é maior e nos sábados lota. Não há sentido em manter os concertos às terças à noite. Pior: as pessoas de mais idade, com a violência e a insegurança, não vão aos concertos às 20h30 das terças. O horário de sábado, às 17h, permitirá que as pessoas saiam de casa mais tranquilas. Por exemplo, a série de música de câmara que eu criei no Margs — nos dois primeiros meses, o horário era o das 18h30 e o público era médio. Quando passamos para às 16h30, passou a lotar.
Guia21 — As atrações deste ano?
Evandro — Para confirmar, eu preciso ter a data em que inauguraremos a Casa da Música da Ospa. Mas traremos o balé do Colón de Buenos Aires, a ópera A Viúva Alegre e uma turma de regentes muito boa, como têm sido nos últimos anos.
Evandro Matté: “A gente tem que saber o que está fazendo na frente de orquestra porque senão os músicos te engolem…” | Foto: Guilherme Santos/Sul21
Guia21 — Nós passamos por cima de outra novidade, a utilização do Palacinho pela Escola de Música da Ospa.
Evandro — Sim, é um local impressionante, muito bonito, de 2500 m². Lá há vitrais e escadarias belíssimas. Foi-nos cedido por 30 anos. Nesta primeira fase, começaremos com o mesmo nível de conforto da atual escola, mas com muito mais salas. Num segundo momento, já temos aprovada uma Lei Rouanet de restauro na casa de 4 milhões de reais. Ainda vamos tentar recuperar algo do valor que seria destinado para a Sala Sinfônica do Parque da Harmonia para o Palacinho. A outra parte seria para a Concha Acústica (Teatro Aberto). A mudança para o Palacinho está prevista para entre os meses de abril e maio. Passaremos de nossas atuais 7 salas de aula para 22 e levaremos a administração da Ospa junto para lá. Isso é mais economia, porque a administração na 24 de Outubro, zona nobre próxima ao Parcão, é muito onerosa. Só o condomínio já é absurdo. E vamos aumentar o número de instrutorias no Palacinho, claro.
Guia21 — Para finalizar. Sei que tu também administras a Orquestra da Unisinos, os Festivais do Sesc e os concertos Zaffari. Como é que tu consegues fazer tudo isso? Como convivem o gestor, o regente e o trompetista?
Evandro — O trompetista está parado, mas pode ter que voltar. O cargo que ocupo é de confiança e as administrações mudam. Hoje eu toco muito pouco. Quanto às outras atividades, posso dizer que sempre fui acostumado a trabalhar muito. Deve ter vindo no DNA, porque meu pai é também assim. Durmo pouco e trabalho muito. Minha vida sempre tem três turnos, mas o terceiro eu considero prazer. Corro e resolvo coisas durante o dia e, no terceiro turno, à noite, estudo. A gente tem que saber o que está fazendo na frente de orquestra porque senão os músicos te engolem… (risadas). Mas, na verdade, eu tenho pouco lazer e preciso mudar isso em minha vida.
O anunciado fim da Ipanema FM e o verdadeiro muro das lamentações que se tornou a caixa de comentários da brevíssima matéria era o pretexto óbvio para uma entrevista com Katia Suman. Porém, a ex-coordenadora e principal apresentadora da legendária emissora não é apenas seus quase 20 anos de Ipanema, é também os 16 anos de Sarau Elétrico, e os 5 de rádio Elétrica, além tocar vários projetos paralelos como o do Cais Mauá de Todos.
Katia, que se autodenomina uma “sub celebridade porto-alegrense” é a filha do zagueirão gaúcho Gago. O motivo no apelido é que ele gaguejava na hora das entrevistas, problema que ela não herdou. Ela nasceu em Salvador quando seu pai jogava no Vitória (BA) e agora está escrevendo um livro sobre seus anos na famosa 94.9. Mas sua entrevista ao Sul21 não se limita à nostalgia, focando também o modo como se faz o rádio tradicional, as novas formas e a série de projetos que Katia leva em frente. Tudo isso acompanhado das boas histórias de quem pode dar consultoria de como viver e trabalhar sem dinheiro.
Foto: Guilherme Santos / Sul21
Sul21: Como começou a tua história na Ipanema FM?
Katia Suman: Eu tinha voltado de uma temporada de 7 anos em São Paulo, tinha decidido não mais trabalhar com publicidade (fui redatora) e estava tentando achar meu rumo. Nesse processo havia sempre um rádio ligado, porque eu sempre gostei de ouvir. Descobri a rádio Bandeirantes, que era muito melhor do que qualquer emissora paulista, com um excelente repertório musical. E uma fala tão coloquial, tão verdadeira, tão fora dos padrões radiofônicos, fiquei realmente muito impressionada. Pensei que eu poderia fazer um programa nesta rádio. Elaborei um roteiro, levei para o Nilton Fernando e ele me recebeu, gostou da ideia, gostou do meu perfil. Pouco tempo depois, quando a rádio passou a se chamar Ipanema, eu comecei, ancorando o horário da noite, das 20h à meia-noite.
Esse negócio de “música de trabalho” que a indústria fonográfica inventou, não colava com a gente.
Sul21: Como a equipe (principais apresentadores) foi formada? Como o pessoal chegava?
Katia Suman: Quando eu cheguei o grupo era formado pelo Nilton, diretor, Mauro Borba, locutor da tarde, a Mary Mezzari, redatora. Tinha também o Ricardo Barão que fazia o Central Rock. A interação da rádio com os ouvintes sempre foi muito forte, muito antes da internet os ouvintes realmente tinham voz na Ipanema: eles participavam, opinavam, davam dicas, levavam discos e nos mantinham informados de tudo o que estava rolando pela cidade. Era já uma rede. Pois bem, em 85 eu criei o Clube do Ouvinte, programa que, como o nome diz, os ouvintes faziam. Eu explicava como fazer o roteiro e eles iam lá apresentar. Houve programas memoráveis, muita gente legal se dispôs a ir ao estúdio, compartilhar seus discos e artistas preferidos. Alguns que apresentaram esse programa acabaram entrando para a equipe da rádio: a Nara Sarmento, por exemplo, o Porã, o Cagê e o Cláudio Cunha. O Alemão Vitor Hugo começou como redator e depois virou locutor.
Sul21: Como se deu o crescimento da rádio?
Katia Suman: Era a rádio certa na hora certa. O país vivia o processo de redemocratização, estava saindo do período tenebroso da ditadura militar. Havia no ar um desejo de liberdade, de exorcizar toda aquela opressão. É nesse momento que surge a famosa cena dos anos 80: Barão Vermelho, Paralamas, Titãs, Blitz, Ultraje, Camisa de Vênus e tantas outras. E aqui TNT, DeFalla, Replicantes, Engenheiros, Taranatiriça, Cascavelettes e tantas outras. A sintonia entre o público e nós, que fazíamos a rádio, era total. Falávamos a mesma língua, tínhamos os mesmos interesses, íamos aos mesmos shows, assistíamos aos mesmos filmes, frequentávamos os mesmos bares, líamos os mesmos livros. Era uma comunicação muito horizontal, éramos, sem saber, já um coletivo. Não era uma relação “rádio aqui e público lá”, como costuma ser. A rádio falava de tudo: política, ecologia, economia, artes, drogas, religiões, tudo! Nunca subestimamos a inteligência da nossa audiência. Num contexto em que as outras rádios voltadas ao público jovem tinham aquele discurso padrão, aquela locução alegre, acelerada e superficial, aquele listão de músicas reduzido e predominantemente internacional, a diferença era gritante. Com o tempo, as outras rádios passaram a dar atenção também a essa nova cena que surgia e a incorporar algumas das nossas sacadas.
Sul21: Havia jabá ou a liberdade era total?
Katia Suman: Liberdade total. Nunca nos submetemos. Inclusive uma das características da rádio era rodar praticamente todas as faixas (era no tempo das faixas) de um disco. Esse negócio de “música de trabalho” que a indústria fonográfica inventou, não colava com a gente. E a gente se esmerava em oferecer o que havia de melhor na música. Não havia internet, as gravadoras deixavam de lançar muita coisa aqui no Brasil. Então era a “caça ao tesouro”: alguém viajava e trazia de fora, ou conseguíamos em lojas de discos importados, ou os ouvintes nos levavam e a gente gravava. Enfim, era uma batalha. E a gente rolava de tudo: rock, funk, blues, jazz, mpb, bossa nova, música erudita, rap, hip hop. Sobre jabá, quem se interessar, minha dissertação de mestrado é sobre o tema e está disponível aqui.
Foto: Guilherme Santos / Sul21
Naquele momento a nossa voz era mais forte que a da RBS.
Sul21: Qual foi o papel da emissora em relação ao rock gaúcho?
Katia Suman: Foi muito importante. O fato de a rádio rodar os artistas, dar visibilidade a eles, ajudou a criar público. Começaram a surgir várias bandas, vários estúdios de ensaio, estúdios de gravação, casas noturnas com espaço para shows, um circuito de shows pelo estado, enfim, uma cena. As bandas gaúchas num dado momento, lotavam o Gigantinho.
Sul21: Tu te tornaste uma rara celebridade porto-alegrense fora do mainstream da RBS.
Katia Suman: Sub celebridade, né? Mas sim, todos nós ficamos muito conhecidos. Naquele momento a nossa voz era mais forte que a da RBS.
Sul21: O resultado financeiro da Ipanema FM era aceitável ou ficava abaixo do esperado?
Katia Suman: Olha, não só era aceitável como chegou a ser excelente em alguns momentos. Nos anos 80 e 90 a rádio cresceu muito em audiência e faturamento. Todo mundo que tinha como alvo o público jovem, anunciava na Ipanema.
Sul21: E a tua primeira demissão na Ipanema? Foi mesmo por “contenção de custos”?
Katia Suman: Foi o que me disseram. Deve ter sido mesmo. Se foi outro o motivo, nunca soube e acho que nunca saberei.
Foto: Guilherme Santos / Sul21
Sou entusiasta de primeira hora da internet e de toda essa revolução que está em curso.
Sul21: O teu período de madrugadão — programa das 2h às 6h — na Atlântida equivaleu a uma temporada na Sibéria?
Katia Suman: Mais ou menos. Mas por outro lado aprendi a operar uma mesa de áudio, aprendi a falar no ar, inventei um jeito de me comunicar. Valeu. Esse estágio foi antes de eu entrar efetivamente para a Ipanema.
Sul21: É mesmo? Saíste de lá por ignorar o set list programado para tocar na rádio, fazendo a tua própria seleção musical?
Katia Suman: Sim. Eu ficava falando a noite inteira, lia e comentava notícias e rodava a programação musical que me deixavam. Acho que os porteiros de prédios, seguranças e taxistas que ficavam acordados de madrugada, gostavam. Eu comecei a enjoar da programação que era sempre a mesma, só alterava a ordem das músicas. E comecei a dar uma incrementada. Claro que o programador musical não gostou.
Me orgulho da rádio Ipanema ter sido a primeira emissora gaúcha a ter um site (e a segunda do país) e isso aconteceu na minha gestão.
Sul21: Antes de voltar à Ipanema, durante tua época na TV Com, criaste a rádio Elétrica na web. Durante um período, as duas rádios foram concomitantes, correto? Qual é o caráter deste projeto?
Katia Suman: A rádio Elétrica surgiu da minha necessidade de compartilhar o que eu leio, descubro e aprendo. É um lance meu, uma necessidade. Desde o tempo em que eu fazia a madrugada da Atlântida, eu tinha um caderno em que, durante o dia, anotava notícias e reportagens e trechos de livros e coisas do gênero para falar no ar. Então, quando eu fiquei sem rádio — nessa época eu estava na TV Com –, criei a Elétrica. Em dezembro de 2010. No começo eu fazia sozinha, 2 horas por dia, ao vivo, rolando música e falando. Aos poucos foram entrando pessoas, vários programas foram criados e transmitidos. Algumas pessoas saem, outras entram e assim segue. Eu fiz a escolha de uma a uma das milhares de músicas que rodam. E hoje apresento o Talk Radio mais ou menos ao meio-dia, de segunda a sexta, cada dia conversando com uma das pessoas de um grupo muito legal, de diversas formações e profissões. Participam comigo, ao meio-dia, a psicanalista Christiane Ganzo, o produtor cultural Fernando Zugno, a médica Cinthya Verri, o escritor e professor Diego Grando e a especialista em sustentabilidade, Fabíola Pecce.
Sul21: A rádio Elétrica dá alguma grana ou tu pagas para tê-la? Essa migração já faz parte de uma percepção tua de que não dá mais nas FMs e AMs da vida?
Katia Suman: Até agora eu paguei o custo da rádio que inclui serviço de streaming, hospedagem de dados e equipamento. Agora comecei uma parceria com um apoiador (obrigada, Newkeepers) e esses custos serão bancados. Sou entusiasta de primeira hora da internet e de toda essa revolução que está em curso. Me orgulho da rádio Ipanema ter sido a primeira emissora gaúcha a ter um site (e a segunda do país) e isso aconteceu na minha gestão. Em 1997, tínhamos uma webcam transmitindo do estúdio da rádio. Quase ninguém assistia, pois eram poucos os que já estavam conectados. Mas nós já estávamos lá. Portanto a rádio web é quase um caminho natural para mim. Me agrada muito esse espírito do it yourself da internet.
Foto: Guilherme Santos / Sul21
Há uma diferença primordial da web para o FM, que é a possibilidade de ouvir o conteúdo a qualquer momento.
Sul21: Há também o Sarau Elétrico, de longa vida para um projeto literário. Como surgiu e ganhou consistência?
Katia Suman: O Sarau Elétrico também está dentro daquela lógica de compartilhar informações, no caso, informações de alta cultura, de intelectuais como os professores Luís Augusto Fischer e Cláudio Moreno. Atualmente, enquanto o Fischer está fora, o professor Sergius Gonzaga entrou para a trupe, que tem ainda o poeta e professor Diego Grando e a querida Claudia Tajes. Ainda nos primórdios da Ipanema, eu tinha por hábito ler trechos de livros. Sempre li bastante e cheguei a cursar Letras, embora não tenha concluído. Eu pensei em fazer um evento aberto, público, para leituras e conversas. Convidei o Fischer e o Frank Jorge. Eles toparam e começamos. E lá se vão 16 anos. No decorrer do período fomos criando uma dinâmica, um jeito, um borogodó qualquer que funciona. A atividade é muito prazerosa, aprendo muito. E nos divertimos também.
Sul21: Como potencializar audiências em tempos de narrowcasting? Pois uma radioweb é radicalmente diferente das tradicionais AMs e FMs (broadcasting).
Katia Suman: Ah, pois é. Eu não sei como potencializar audiência e nem chego a pensar muito sobre isso. Talvez devesse. Sim, rádio web é bem diferente. Não vejo sentido em botar só música, por exemplo, já que com esses serviços tipo spotify e deezer é possível ouvir música da melhor qualidade de qualquer gênero. Sem falar nas milhares de rádios espalhadas pelo mundo todo. Por outro lado, quem ouve a rádio Elétrica deve gostar da minha curadoria musical, porque tudo o que roda foi escolhido a dedo por mim. Estou constantemente atualizando o repertório. Mas o que faz mais sentido pra mim é compartilhar ideias, trazendo pessoas interessantes para juntos pensarmos o mundo que construímos. Eu acho também que há uma diferença primordial da web para o FM, que é a possibilidade de ouvir o conteúdo a qualquer momento. Por isso, os programas da rádio são todos arquivados em podcast.
Parece que a faixa FM já está virando uma imensa AM
Sul21: Que futuro tu vês para as atuais FM e seus modelos?
Katia Suman: A migração das AMs para a faixa de FM está acontecendo antes mesmo do prazo estabelecido pelo governo. E de uma maneira meio esquisita, que é duplicar o sinal, ou seja, transmitir o mesmo conteúdo nas duas frequências. Com o mesmo custo, o empresário tem duas fontes de faturamento. Então parece que a faixa FM já está virando uma imensa AM, ou seja, notícias, futebol e comunicação bem popular. Rádio FM para público jovem, acho que já era. Adolescentes nem conhecem o objeto rádio, não sabem como ligar (não é touch) nem para que serve. Tudo o que eles precisam em termos de informação e música está na internet.
Sul21: Tu tens te envolvido em projetos e tomado posições claras em relação à cidade. Há a Festa da Leitura e o coletivo Cais Mauá de Todos, por exemplo.
Katia Suman: Na Festa da Leitura eu participei muito discretamente, sugerindo algumas atrações para a programação e fazendo assessoria de imprensa.
Foto: Guilherme Santos / Sul21
Daqui a pouco vou dar consultoria de como viver, trabalhar e produzir sem dinheiro.
Sul21: E o resto?
Katia Suman: Atualmente eu estou fazendo um doutorado em Letras e o meu trabalho final será um livro sobre a Ipanema, feito a partir de relatos feitos à época, por todos os integrantes da rádio. Eram cadernos que ficavam no estúdio e ali anotávamos tudo o que acontecia, nos comunicávamos internamente. Era o nosso e-mail. Eu tenho cadernos de 1984 a 1997. É um belo documento. Também quero finalizar um documentário que comecei em 2013, quando tomei contato com uma cena de festas que acontecem nas ruas de Porto Alegre. São ocupações do espaço público, bonitas, com arte, alegria. Gente jovem reunida. Durante 2013 e 2014 captamos mais de 40 horas de imagens dessas festas, entrevistei um monte de gente. Estou buscando formas de finalizar. Tentei o Fumproarte, mas não rolou. Estou esperando agora o resultado de um edital nacional. Se não rolar vou fazer sem dinheiro mesmo, como tudo foi feito até aqui. Eu daqui a pouco vou dar consultoria de como viver, trabalhar e produzir sem dinheiro.
Sul21: Como surgiu a necessidade de te envolveres com as questões da cidade e da orla? O fato de seres bastante conhecida facilita e dá maior visibilidade às causas?
Katia Suman: Eu era daquelas pessoas que andava sempre de carro. Fazia todos os meus trajetos de carro. Mas, à medida que o trânsito começou a ficar muito denso e travado, eu passei a me sentir tão incomodada que fui mudando a maneira de me locomover pela cidade. Passei a caminhar muito mais do que antes, a usar mais transporte público e a andar de bicicleta. A partir desse contato mais próximo com as ruas da cidade — no carro, a gente está numa bolha –, eu comecei a tomar consciência da realidade da cidade, do estado de abandono das ruas, da deterioração dos espaços públicos, da humilhação a que os pedestres são submetidos quando esperam longos minutos para terem direito a alguns poucos segundos para vencer ao menos uma faixa de uma avenida. Paralelo a isso, comecei a fazer um programa chamado Cidade Elétrica com a escritora Carol Bensimon e o arquiteto João Marcelo Osório. (Na rádio Elétrica, claro – tem os podcasts lá). Entrevistamos muitas pessoas envolvidas com urbanismo, eu passei a pesquisar o assunto, li livros, vi palestras, fui me informado. E quando a gente se informa e cai na real, não tem como não se envolver. A gente vive hoje uma situação inédita na história do planeta terra: pela primeira vez a população que vive em cidades é superior a que vive no campo. E os problemas que a gente costuma encarar como “globais”, como mudanças climáticas (80% da emissão de gases que causam o aquecimento global vem das cidades) ou crise energética (75% do consumo global de energia acontece nas cidades), são em muitos aspectos, problemas urbanos, problemas das cidades. Eles não serão resolvidos se as pessoas que vivem nas cidades não se envolverem ou se responsabilizarem.
Nós precisamos de uma revolução de participação. E rápido!
Sul21: E Porto Alegre, neste contexto.
Katia Suman: Pois é. Vou dar um exemplo dessa falta de envolvimento: Porto Alegre foi a primeira cidade brasileira a ter coleta seletiva de lixo. Desde 1990 há esse tipo de coleta e hoje toda a cidade está contemplada. 100%. Mas qual a porcentagem da população que efetivamente separa os seus resíduos? Apenas 25%!!!!! O que acontece com os outros 75%? Eles não se responsabilizam, eles não se envolvem. Eles não se interessam pelo assunto. Nós precisamos de uma revolução de participação. E rápido!
Sul21: E o movimento Cais Mauá de Todos?
Katia Suman: Aproveitando o espaço, eu convido o distinto leitor a conferir a página facebook.com/caismauadetodos e participar da discussão que nós estamos propondo. Somos um grupo de pessoas que, a exemplo de mobilizações passadas — como a que evitou que o Parcão virasse um lote de 40 prédios nos anos 50 e a que evitou a derrubada do Mercado Público nos anos 70 –, está lutando para que não se desfigure uma área de imensa importância histórica da cidade. Seguramente a mais importante. Porto Alegre só existe por causa do porto, que aliás dá nome à cidade. Se não fosse o porto, a capital seria Viamão, como de fato foi. Obviamente que nós não queremos que aquela área continue abandonada e degradada. Nós queremos sim progresso e desenvolvimento, geração de empregos, tudo isso. Mas não aceitamos shopping e torres naquela área da cidade. Queremos envolver a população nessa discussão.
Barbara Hannigan é uma conhecida personagem deste blog. Já a mostramos escrevendo, regendo, cantando e atuando. Já postamos três de seus discos no PQP Bach, mas o que ela fez anteontem em Lyon foi algo novamente digno do furacão de afinação, timbre, presença e talento que ela é. Dá vontade de gritar “Parem as máquinas!” a fim de que todos possam vê-la em ação. Ela regeu e cantou Girl Crazy Suite (sobre I Got Rhythm, de George Gershwin) e tudo foi registrado em vídeo. Este foi visto mais de 370 mil vezes e está no ar há pouco mais de 24h. Com vocês, Barbara Hannigan:
Mas temos mais. Neste Tiny Desk Concert, promovido pela npr music, ela canta primeiro Empfängnis (Concepção), de Alexander Zemlinsky, depois a belíssima Licht in der Nacht (Luz na Noite), de Alma Mahler, Nur wer die Sehnsucht kennt (Apenas um sabe dos anseios), de Hugo Wolf, e finaliza com Schenk mir deinen goldenen Kamm (Dê-me seu pente dourado (?)), de Arnold Schoenberg. O pianista é seu velho — em todos os sentidos — colaborador Reinbert de Leeuw.
Infatigável na divulgação da música erudita e óperas dos séculos XX e XXI, Hannigan emprestou sua voz a estreias mundiais de mais de 80 peças. A voz é simplesmente linda — cintilante e amanteigada em todos os registros, com notas altas cristalinas que emergem do ar carregadas de emoção. Não acreditam? É só ouvir.
Dia desses, talvez tivesse sido ontem, estava lendo sobre a famosa Madame Satã (1900-1976), uma drag queen e capoeirista brasileira retratada brilhantemente no cinema e personagem emblemática da vida noturna carioca na primeira metade do século XX. Com golpes de capoeira, Madame costumava enfrentar policiais, tendo inclusive matado um. Pois hoje resolvi pesquisar sobre Geraldo Pereira (1918-1955), compositor de “Sem Compromisso”, samba imortalizado por Chico Buarque, e, para meu absoluto espanto, soube que este tinha sido morto por aquela em circunstâncias mal explicadas. Sobre quem devo pesquisar amanhã?
36 anos sem Elis, morta aos 36 anos. Na época de Elis, devia ser mais fácil de compor. O cara pegava o violão, imaginava a voz de Elis e a canção já saía muito melhor, tenho certeza.
Foto de Norberto Flach em seu perfil do Facebook. A legenda era justa: “Esperando o mestre.”.
Ontem, fomos assistir ao show, violão e voz, de Guinga e Dudu Sperb no StudioClio. É uma parceria que está iniciando e que pode render muito. Guinga é um tremendo compositor e instrumentista e Dudu é um afinadíssimo cantor de bela voz, que cabe bem no espírito da música de Guinga. O que se pode fazer é o elogio máximo. Houve muito de musicalidade, delicadeza e acordes pouco ouvidos nestas plagas. Segundo o que pude entender, a dupla tinha ensaiado no próprio dia de ontem e mesmo assim o entendimento foi excelente. Assim, fica possível sobreviver ao calor de Porto Alegre. A gente quase morre durante o dia e à noite consegue lembrar dos motivos para tanto esforço.
Houve momentos de grande eletricidade no ar. Quando Dudu cantou Você Você (Canção Edipiana), parceria de Guinga e Chico Buarque, a plateia foi muito cuidadosa antes de aplaudir, porque estaria desmanchando um momento autenticamente mágico. Outros momentos desses foi Nonsense e a aula particular de Tom Jobim que Guinga nos deu ao mostrar a falsa simplicidade de Água de Beber.
Como disse meu amigo Marcelo Barbanti, a música brasileira precisa ser mais valorizada. Salve Chico Buarque de Holanda, salve Guinga (…) salve Antonio Carlos Jobim e tantos outros geniais compositores brasileiros. Pobre do país que vira as costas para as suas mais belas canções e coloca porcarias em pedestais.
O 33º Festival Fayr de Música Internacional do Irã está em andamento na capital do país, Teerã. Enquanto a cidade hospeda mais de 30 orquestras de todo o mundo, a primeira e única regente mulher do Irã subiu ao palco deixando o público atônito.
Nozhat Amiri tornou-se a primeira mulher a liderar a Orquestra Nacional do Irã, executando peças compostas por importantes músicos do país, como Hossein Dehlavi, Homayun Khorram e Morteza Hannaneh.
Nozhat Amiri diz que deve tudo ao apoio que recebeu do marido e aos amigos que acreditavam na sua capacidade. Amiri é mestre em música e regência pela Universidade de Teerã e aguardou 10 anos por este momento. É a única iraniana com tal formação.
Cena do filme ‘O Sétimo Selo’: será que Bergman contou seis também?
Mozart escreveu 40 sinfonias (a 37 não existe); Haydn, 104; Brahms escreveu apenas 4 e Shostakovitch pretendia produzir 24, mas ficou em 15. Porém, seis dos maiores sinfonistas de toda a história da música compuseram 9 e logo morreram, forjando o mito de que a nona, ou a décima, é fatal. Vejam a lista abaixo e surpreendam-se com o tamanho da coisa… É como se a morte sempre entrasse em campo quando o imortal pretendesse chegar ao número dez. Aviso: não sou numerologista e não dou a menor importância a este tipo de — creio! — crendices.
Ludwig van Beethoven (1770-1827) está em qualquer seleção de maiores sinfonistas. Se alguém o deixar de fora, merecerá internação. Beethoven fez da 9ª Sinfonia seu testamento musical. Com problemas de saúde cada vez mais notórios, o compositor teve tempo de preparar sua despedida com a maior de suas sinfonias. Ele inaugura nosso sortilégio e, se o leitor não tiver muita intimidade com o mestre, dê preferência à audição das sinfonias Nº 3, 5, 7, 8 e 9. Claro que ele não caiu morto fulminado por um raio logo após fechar o manuscrito da Nona, depois dela ele ainda escreveu algumas de suas maiores obras, os últimos Quartetos de Cordas. Mas a décima ficou em menos do que um rascunho.
Franz Schubert (1797-1828) morreu um ano depois, logo após escrever a sua nona. A curiosidade é que sua oitava sinfonia é conhecida como a Inacabada. E estamos certos em chamá-la assim, pois Schubert abandonou-a ao compor os temas que utilizaria na última. A Sinfonia Nº 9 também é conhecida, com total merecimento, por “A Grande”. Também vale a pena ouvir, além das citadas Nº 8 e 9, a 4 e a 5. Todos pensam que Schubert morreu de sífilis. Nada disso. Morreu de tifo, após ingerir um vulgar peixe contaminado. Ou seja, uma droga de um peixe podre ceifou Schubert durante seus anos mais produtivos. Espero que, se o inferno existir, este peixe esteja lá queimando. Até agora.
Anton Bruckner (1824-1896) é outro dos grandes sinfonistas indiscutíveis. Ele praticamente só se dedicou a este gênero. Além delas, compôs apenas 3 Missas, 1 Te Deum e pouquíssimas obras de câmara. Seus contemporâneos o consideravam quase como uma criança idiota e a opinião a este respeito é tão unânime que deve ser verdade. Porém, se você continuar a chamá-lo de burro após ouvi-lo, ficarei desconfiado. Sim, de você. Deve tratar-se do idiota mais profundo que se tem notícia, o que prova que a inteligência musical sobrevive mesmo em um cérebro limitado. Há duas curiosidades a seu respeito. A primeira é que Bruckner, já agonizando, quis que seu Te Deum fosse acrescentado como último movimento de sua 9ª. Não foi atendido; era um evidente absurdo. A segunda é que ele possui uma sinfonia Nº 0 e outra 00. É que após a publicação das primeiras sinfonias, apareceram aquelas que o compositor escrevera antes, mas que tinha escondido por vergonha. São excelentes e para não demonstrar uma possível involução em seu estilo, denominou-as Zero e Zero-Zero. Mas, apesar de todos esses zeros, não sobreviveu à décima. Indico fortemente as sinfonias Nº 4 (Romântica), 5 (que possui um adágio estarrecedor de tão belo), 7 e 9 (ambas espantosas).
Gustav Mahler (1860-1911) é o caso mais explícito de medo à 9ª. Contrariamente a Bruckner, era um intelectual e regente respeitadíssimo na Viena da virada do século. Mahler tinha grande temor de escrever sua nona sinfonia e dizia isto a todos. Sabia que a décima o mataria… Quando compôs a oitava (Sinfonia dos Mil), resolveu fazer uma pausa e atacou “A Canção da Terra” (Das Lied von der Erde), que talvez seja sua maior obra, mas que, cá para nós, é uma sinfonia camuflada de ciclo de canções. Com isto, pensou ter enganado o capeta. Só então escreveu sua nona e, por uma distração do diabo, conseguiu até escrever o primeiro movimento da décima, só que… Morreu sem compor os outros movimentos. Outros caras a completaram. Estes sim deviam morrer. Suas melhores sinfonias são todas.
Menor que os citados, há Antonín Dvorak (1841-1904). Foi um compositor mediano que escreveu lindos quartetos de cordas e que deve ser muito elogiado na presença de checos. Eles se ofendem facilmente. E as sinfonias? Ele compôs nove sinfonias muito parecidas. Todas com quatro movimentos: o primeiro movimento possui 3 temas; o segundo movimento geralmente é um adagio; o terceiro movimento é uma dança ou fuga que copia Beethoven; o quarto movimento é livre, mas melhor seria se não existisse. Deveria ter morrido antes, mas ficou por aí até terminar a nona. Deixou um número surpreendente de obras inacabadas. Sorte nossa. E dele, pois morreu rico e famoso. Sentiram que eu não gosto muito do moço, né? Mas OK, admito que a 8ª e a 9ª são bem legais.
Louis (ou Ludwig) Spohr (1784-1859) escreveu nove sinfonias e deixou a décima pela metade. Achava mais seguro escrever concertos para violino, tanto que escreveu dezesseis. Há um — o oitavo — que é bastante revolucionário, escrito em apenas um movimento, para gáudio de Jasha Heifetz. Sua nona sinfonia é programática e tem um nome incrivelmente original: As Estações. Enquanto vocês decidem se ele plagiou Vivaldi ou Haydn, vou dizendo que Spohr foi um bom compositor, apesar de minhas ironias.
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Por isto, aconselhamos a todos os candidatos a compositores eruditos que se depararem com este texto: evitem o gênero ou utilizem-o com parcimônia. Está provado: a décima pode matar.
Mas confiram o comentário de Filipe Salles:
Caro Milton, devo objetar de sua conclusão, se me permitir, pelos seguintes argumentos: Destes compositores que vc mencionou, apenas Beethoven e Spohr realmente escreveram 9 sinfonias completas (e talvez Mahler, dependendo da interpretação). Schubert deixou sua 7a. sinfonia apenas em esboço melódico, tendo orquestrado uma parte muito pequena dela. Ele próprio se esqueceu desta obra e muitos musicólogos não a consideram no rol da numeração canônica. Há uns 15 anos atrás a Sony lançou uma série com ninguém menos que Giulini regendo, tendo a capa a indicação “Schubert: Symphony no.7 (8)” e também “Symphony no.8 (9)”, apenas para saberem que se tratava apenas de uma questão numérica. No caso de Bruckner, como você mesmo diz, ele escreveu 11 sinfonias, sendo as 2 primeiras rejeitadas por serem obras de juventude. Uma sinfonia em Fá maior não tem numeração e a famosa Número Zero é a “die Nullte”, a nula, que na verdade foi escrita entre a Primeira e a Segunda. Bruckner não aguentou as críticas feitas à ela e riscou na partitura autógrafa a numeração “2”, substituindo pelo 0, acrescentando que ela “não contava”. Mas ambas estão completas e foram editadas, de forma que também é só uma questão de posição dos números. O caso de Dvórak é mais esquisito: apenas suas 5 últimas sinfonias foram publicadas em vida, e as demais só vieram à tona a partir de 1917, quando o musicólogo Otakar Sourek reestabeleceu a ordem por data de composição. A sua Primeira Sinfonia, antes tida como a que hoje é a Sexta, foi recusada num concurso e Dvórak, irritado, disse que a tinha destruído (assim como sua segunda), e só foi executada em 1936, depois de encontrarem os manuscritos originais. Lembro-me até hoje de um disco LP, ainda na era monaural, em que Furtwängler executava a Sinfonia no.5, “Do Novo Mundo”. Ou seja, não poderia haver uma maldição da Nona se ele na época tinha certeza que sua série ia só até a 5a.
No caso de Mahler, depende de considerar ou não o Das Lied von der Erde uma sinfonia, e com certeza na época em que ele estava escrevendo sua Nona, só sabia dos casos de Beethoven e Bruckner, pois a 7a.Sinfonia de Schubert não havia sido completada e as de Dvórak se encerravam na 5a.
No caso de Spohr… Bem, outro dia ouvi suas sinfonias nos. 4 e 5 e achei-as extremamente tediosas, de maneira que não me interessei mais pelas coisas dele.
Sexta-feira (12) à noite, eu e Elena fomos assistir ao recital do barítono Homero Velho e da pianista Liliana Michelsen no StudioClio. O repertório foi o belíssimo ciclo de canções Dichterliebe (amor de poeta), de Robert Schumann, sobre poemas de Heinrich Heine, e o nem tanto La bonne chanson, de Gabriel Fauré, sobre poemas de Paul Verlaine.
Conforme sublinhou o próprio Homero, o recital deixou clara a diferença jamais negada de estilos entre música francesa e alemã. Bem, meu gosto é totalmente tedesco, ainda mais quando a comparação é com a música francesa.
Gostos à parte, o recital mostrou dois músicos entrosados — e eu creio que eles fizeram poucos ensaios prévios, pois Homero chegara a Porto Alegre no dia anterior –, de grande capacidade expressiva e belos fraseados. Eu já conhecia o timbre da voz de Homero do Don Giovanni que ele fez com a Ospa no inverno do ano passado, mas ouvi-lo numa sala pequena e com a qualidade acústica que temos no Clio foi um renovado e ampliado prazer. A voz do cara é mesmo um espanto. Tanto que quase gostei do Fauré. Quase.
Liliana acompanhou o altíssimo nível de Homero e Chico Marshall destacou-se como o bardo leitor dos poemas em português.
Vocês, meus sete leitores, conhecem Schumann, mas talvez não conheçam a poesia de Heine. Heine foi um satírico e dramaturgo genial. Até foi alvo de uns dois ou três textos elogiosos neste blog. Sua poesia romântica deve ser linda em alemão, porém em português certamente perde muito. Chico sofreu… Robert Frost escreveu que “a poesia é o que se perde na tradução”, corolário repetido recentemente no Paterson de Jim Jarmusch: “Ler um poema traduzido é como tomar banho de capa de chuva”. A poesia romântica de Heine é descabelada, ainda mais que o coitado do poeta não tem resposta da amada que casa com outro e deixa o moço sozinho com suas dores. Ou seja, a poesia é de matar, mas, com sua música, Schumann garantiu sua chegada a nossos dias. Só não precisavam traduzir, pelamor.
Já Le bonne chanson é um ciclo de nove canções. A desgraça de Fauré foi semelhante a do poeta criado por Heine. Olha só: boa parte do ciclo foi composta nos verões de 1892 e 1893 enquanto Fauré permanecia em Bougival como hóspede do banqueiro Sigismond Bardac e de sua esposa, a soprano Emma Bardac. Claro que Fauré estava apaixonado por ela, que acabou casando com Debussy… Fauré escrevia todos os dias e Bardac experimentava cantar, talvez pensando em Debussy. Acabou que Le bonne chanson foi dedicado a Emma e que Fauré acabou a obra aparentemente sem comer ninguém.
Saint-Saëns ouviu o ciclo e declarou que Fauré tinha ficado louco. Não é para tanto, mas entendo Camile. Por outro lado, Proust assistiu a estreia privada e adorou. Isso que ele nem ouviu Homero Velho e Liliana Michelsen. Duvido que tenha sido melhor.
